Prophetic Art Manifesto

This manifesto expresses the principles that support prophetic art, and the spiritual frames to truly name a piece of art as prophetic. 
We believe that prophetic art is the visual, sonorous, object, sensory and conceptual expression and representation of the person and will of Christ upon a place and people in a specific time. In this way, we’ d say that prophetic art cannot rely just on one artist / prophet’s soul because the heart is not infallible and it must be transformed. The artist /prophet´s heart hast to be measured and examined by the church from a spiritual understanding. 
According to Revelation (19:10), any prophetic manifestation comes to give testimony of Jesus, so to make known and specific truth. It is revealed in the spirit, and it is manifested to the natural world throughout the work of art. 
Throughout the piece of art, the artist joins heaven and heart’s will, and because of it the piece becomes something truly prophetic. It is a prophetic action. We declare that prophetic art is based on revelation, and you get it when you worship to God in an intimate way (contemplation).  In these times, the artist must perceive the spiritual reality and what God wants to be represented or presented from the Spirit. 
We accept as true that the artist can be considered as a prophet, and he / she is able to perceive the mind and thoughts of the Spirit of God from his / her own spirit without any drug to decrease or reduce the levels of consciousness. As a consequence, the artist has to be really careful with the revelation that he / she receives. He/ she cannot infect and contaminate it. He / she has to give the right emphasis to the work of art to have a piece that manifests justice. 
Having all these in mind, we´d say that the artistic strategies are free inside prophetic art, in any discipline (painting, sculpture, sounds, theatre, literature, dance, performance, narrations, etc. but they have to be conceived from values based on biblical principles. They cannot be against biblical principles. 

This is an adaptation from Spanish (see previous entry)

                             See this video about prophetic art (spanish), click on it

Manifiesto del Arte Profético

En este manifiesto se expresan los principios que sostienen al arte profético, y que generan un marco espiritual para quien llame a su obra con este denominativo.

Creemos que el arte profético es la expresión y representación visual, sonora, objetual, sensorial y conceptual de la persona y de la voluntad de Jesucristo para un lugar y/o personas en un momento específico. Siendo así el arte profético no puede confiarse netamente al alma de un solo artista/profeta, dado a que el corazón de nadie es infalible e incorrupto en plenitud, siempre esta sujeto a ser pesado, y la Iglesia es la más indicada para hacerlo, pero siempre desde un entendimiento espiritual. 

Conforme a lo escrito en el libro de Apocalipsis (19:10) lo profético viene a dar testimonio de Jesucristo, por lo tanto viene a dar a conocer una Verdad específica, que se revela en el Espíritu, y que se manifiesta en lo natural a través de la obra, uniendo en esta, la voluntad del cielo con la tierra, haciendo que la obra toma el rasgo de acción o acto profético vigente.

Declaramos que el Arte Profético se fundamenta sobre el principio de la revelación, que se logra en los tiempos de adoración y de intimidad (contemplación) con Dios, situaciones en las que el artista debe percibir la realidad espiritual y la voluntad que Dios quiere que sea representada o presentada, a partir de esta realidad del Espíritu.

Creemos que el artista cumple la función de un profeta, el cual desde su propio espíritu puede percibir la mente y los pensamientos del Espíritu de Dios, sin la necesidad de bajar sus niveles de conciencia (estado de conciencia alterado) a través de drogas o estupefacientes. Debido a esto, la revelación que este manifieste debe procurar no contaminarla de ninguna manera, sino que más bien debe darle el énfasis correcto y de la manera correcta, para que la obra manifieste justicia.  

Siendo así, las estrategias artísticas son libres en el arte profético, sea cual sea la disciplina (pintura, escultura, sonidos, artes escénicas, literatura, danza, performance, narraciones, etc.), siempre y cuando sea desde una plataforma valórica, fundamentada en los principios bíblicos, y que no vayan contra estos.
                                                                                                                   31 de octubre de 2013
Ver video sobre Arte Profético

http://www.youtube.com/watch?v=4_YPKxhpPiY

El arte desde lo Profético

El arte es en esencia profético. Un artista funcionará como profeta según la medida en que su arte este más relacionado a su ser espiritual, por lo cual percibirá de mejor manera el mundo espiritual, sea conciente de esto o no. Las notas anteriores a esta, hacen referencia a estos tres elementos que se conjugan en la obra de un artista, los visual, lo almático-ideológico y lo espiritual. Siempre están presente los tres pero en diferentes proporciones.
El artista es sensible a su entorno social y espiritual, y en es capaz de absorver lo que lo rodea, y expresarlo a través de su obra. Insisto, puede no ser plenamente consciente de que esta manifestando una realidad espiritual, pero sensibilidad lo lleva a hacer.

¿Que es lo profético?

Lo profético es basicamente manifestar de manera premeditada o no, una realidad espiritual. Esta realidad espiritual puede ser bastante amplia, dado a que puede abarcar desde lo macro, como un continente, naciones, ciudades, hasta lo micro, como una familia o la propia vida del profeta.
La Biblia dice que la esencia de lo profético es el dar testimonio de JesuCristo (Apoc. 19.11). Bajo esta concepción, podemos decir que el arte Profético es dar testimonio de como JesuCristo ve un algo, una temática, una persona, una ciudad, un país.
Todas las expresiones basadas en el conocimiento espiritual que no vienen a dar testimonio de JesuCristo, no pueden considerarse proféticas, aunque se este prediciendo algún acontecimiento futuro o que se yo, eso se puede considerar como hechicería o chamanismo. Es la versión torcida del arte profético en su estado puro.    

Finalmente el Arte Profético surge de una relación profundamente íntima con Dios, en la cual el artista recibe revelación de qué quiere Jesús. La etapa siguiente, es dar testimonio de lo que recibió en su espiritu a través de una representación sonora, visual, poética, performática, dramática, etc. La intimidad con el Creador permite al atista ser más creativo, y lo lleva a descontaminarse de las nociones intelectuales limitadas del hombre, para entrar en lo eterno y elevado de Él.



El Messiah de Handel´s, más conocido como "Aleluya", nació despues de un lar tiempo de ayuno y oración, en que el autor dijo: "Creo que he visto el cielo delante de mí, y también a Dios." Esta impresionante pieza musical la hizo solo en 23 días.
http://www.youtube.com/watch?v=RZoQTevmiaU

El arte del Espíritu (3/3)

En los artículos anteriores, he escrito sobre como el artista plasma sus necesidades visuales (retinianas, físicas) y almáticas (ideológicas, intelectuales y sentimentales) en su obra de arte. Teniendo la influencia del cuerpo y del alma ya más o menos hablados, es correcto hablar de como lo espiritual se manifiesta en la obra de un artista.
Los tres elementos (del espíritu, alma y cuerpo) están presentes en toda obra de arte, pero en distinta proporción. Hay artistas que ponen mucho énfasis en lo visual (experiencia retiniana) como en el Op art, otros proyectan lo que hay contenido en su alma, y otros dan énfasis a lo que viene desde su espíritu. Siempre están estas tres áreas en la obra, aunque en algunas  sea difícil distinguirlas claramente.
El ser humano es un ser ESPIRITUAL, que posee un alma y un cuerpo. Su cuerpo es el que le permite concretarse físicamente, mientras que su alma es una especie de interfaz o bisagra, que une lo espiritual con lo natural. Todo lo que un individuo hace esta condicionado por lo que hay en su espíritu. Lo que hay en el espíritu del hombre se proyecta en lo que este hace, tanto con su cuerpo como con su alma. La obra de arte esta afectada completamente de lo que hay contenido en el ser espiritual del hombre. Es así como el artista, sea cual sea su disciplina, "crea" su obra a partir de lo su alma ha recibido desde lo espiritual en él. Todo lo que el artista contiene o decide contener en lo espiritual, se manifestará en su alma y en cuerpo, y por consiguiente en su obra. 
Por ejemplo, la música punk, espiritualmente está llena de rebelión. Bajo el espíritu de la rebelión se concibe un ritmo, una melodía, una armonía y una letra determinada. Aunque el "espectador" para simplemente concordar ideológicamente con la letra de cierta canción, en realidad no solo esta concordando, si no que a la vez esta decidiendo ser impartido por toda la rebelión que la canción en si misma contiene, dado a que esta fue creada desde este espíritu.
En las artes visuales pasa exactamente lo mismo. La obra, sea cual sea su tipo, es creada desde una influencia espiritual, la cual es determinada por la condición espiritual de su autor. Aunque no en todas las obras predomina una manifestación y/o representación espiritual, siempre estará presente de una u otra forma lo que hay en el espíritu del artista. Esto es muy relevante, dado a que el espectador abre su ser, espíritu, alma y cuerpo ante la obra, dejándose influenciar por los colores, las formas, los sonidos, los olores,     y todos los estímulos que la obra transmita. Esto hace que sobre el artista caiga la responsabilidad de autocuestionar la fuente espiritual desde la cual esta creando, y si es que esa es la fuente desde la cual quiere que el espectador de su obra beba.
Un emblemático ejemplo es el famoso cuadro titulado "El Grito" (1893), del noruego Edvard Munch.(1863-1944). Para que una obra logre hacer un eco significativo en el espectador, esta debe estar hecha de manera genuina, sin querer imitar nada que el autor no contenga en sí mismo. Es así como esta obra ha marcado la historia de la visualidad, porque es un icono de la desesperación del hombre. Munch, en 1982, escribe lo siguiente en su diario: 

Edvard Munch, 1893

Óleo, temple y pastel sobre cartón • Expresionismo

91 cm × 74cm

Galería Nacional de Oslo,  Noruega

Edvard Munch, 1893

Óleo, temple y pastel sobre cartón • Expresionismo

91 cm × 74cm

Galería Nacional de Oslo,  Noruega

“Paseaba por un sendero con dos amigos – el sol se puso – de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio – sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad – mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza.”

Munch, hasta ese momento llevaba una tormentosa vida, marcada por tragedias, el describe de esta forma su existencia: “La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles que rodearon mi cuna y me siguieron durante toda mi vida”. Dime si a caso esta obra no fue escrita desde el espíritu de la "Desesperanza", de la "Tristeza" y el "Sufrimiento". Esta obra fue pintada a partir de un alma espiritualmente encarcelada en el "Dolor" y la "Desesperación", y
precisamente eso es lo que esta transmitiendo a un espectador que se abre ante esta pintura. 
El alma finalmente es quién traduce lo que esta pasando en el espíritu del artista, y lo lleva a imágenes, formas, colores, sonidos, narraciones, poemas, etc, etc. 

El artista logra transmitir lo que espiritualmente lo gobierna, sea bueno o malo, beneficioso o dañino para el espectador, por esto, el artista debe saber desde que posición espiritual esta creando, y a su vez el espectador debería discernirlo, y en base a su discernimiento decidir abrirse o cerrarse a admirar, contemplar y dejarse impartir por la obra.

Plasmando el alma (2/3)

Las inquietudes y convicciones del alma quedan plasmadas en la obra de arte. El alma contiene tres áreas muy importantes (viéndolo a modo general), estas son las emociones (corazón), los pensamientos (mente) y las decisiones (voluntad). 
En la obra de arte estás tres áreas son reconocibles, aunque suele predominar alguna de ellas. La voluntad se pone de manifiesto en cada decisión formal-técnica y formal-espiritual que el artista toma al realizar la obra de arte. La voluntad esta en toda obra, desde el momento en que el artista decide expresarse, y desde que decide pintar y no esculpir, o escribir en vez de pintar. Es innegable la existencia de la voluntad humana en el arte. La voluntad funciona en pos de lo que hay en el corazón y en la mente del artista.

El alma logra plasmarse en la obra de arte, sea de la disciplina que sea, y este o no consciente el artista de esto. Tanto un cuadro como una obra musical están impregnados por lo que hay en el corazón o en la mente del artista. Lo que el artista tiene en su interior queda registrado en su obra.

Muchas veces predomina el corazón, y cada sentimiento que hay en él. Las obras en las que predominan los sentimientos que genuinamente están en el corazón del artista, suelen ser llamativas para el espectador, y generan una empatía emocional con quién la mira. No pasa lo mismo cuando el artista trata de expresar algo que no hay en su interior, sea por encargo o por algún mero interés. Estás obras suelen ser artificiales, vacías en lo que transmiten, y no logran una empatía emocional con el espectador, y su única defensa como obra tendría que ser algún aspecto técnico llamativo a la retina o al oído del espectador.



El buey desollado
Rembrandt Van Rijn, 1655
Óleo sobre madera.
94X69cm
Museo de Louvre, Paris

Un ejemplo de esto es la excepcional pintura del maestro holandés Rembrandt Van Rijn, "El buey desollado". Esta obra es impactante, esta cargada de emotividad, sin haber un rostro humano en el cuadro, ni una palabra escrita, sin embargo esta obra de pequeño formato es capaz de transmitir con tal fidelidad el dolor que el artista tenía en una época determinada de su vida, cargada por una inminente ruina financiera y la muerte de su esposa. Rembrandt a plasmado la angustia de su alma en la imagen de un buey desollado, que transmite sensaciones tan impactantes como "Los Desastres de la Guerra" de Francisco de Goya, pero sin representar a la figura humana. Este cuadro a sido citado en muchísimas ocaciones por artistas de renombre, tanto en el siglo XX como en nuestro siglo.

Los pintores del Romanticismo también transmitían mucha emotividad en sus obras, ensalzando lo sublime de la naturaleza ante la figura del hombre. El pintor romántico alemán Caspar Friederich, sabía que podía a través del género del paisaje, transmitir sus convicciones políticas y espirituales. Este pintor protestante, buscaba simbolizar aspectos de Dios, como la luz, la eternidad, y dar a conocerlo como el camino que el hombre debe seguir. Friederich esta pintando lo que espiritualmente a sido plamado en su alma, sus convicciones.

Otro caso emblemático es "El juramento de los Horacios", del pintor francés Jacques-Louis David. Esta pintura de gran formato, fue presentada en París en 1784, y causó tal impacto en la sociedad parisina, que hoy entendemos que fue un ícono potente para las cosignas que desencadenarían la revolución francesa (1789). La obra de David, estaba cargada de sus convicciones políticas, y estas se transmitían a quienes apreciaban su obra. Su pintura gritaba más fuerte que un discurso real, y arengaba más que la voz de los parlamentarios. Las convicciones políticas y sociales insataladas en el corazón y en la mente de David estaba en cada una de sus obras.

Así mismo pasa con la música, con el teatro, con las letras, con el cine, etc. Las obras de arte, sea cual sea su lenguaje, han sido marcadas por el alma de quién las creo. Esto hace a los artistas más responsables de lo que presentan. Una obra visual o musical puede desatar un revolución, envolver a toda una generación en ira, como también puede traer reconciliación y esperanza a una sociedad.

No existe obra de arte que no este condicionada por lo que hay en el corazón y en la mente del artista.



Monje a la orilla del mar (1808-1809)

Caspar Friederich

Óleo sobre tela

110x171.5cm

Berlin

¿Que hay detrás de una obra de arte? 1/3

Matilde Pérez,
Vertical II, 1978, óleo sobre tela.
Esta artista chilena fue alumna de Vasarely,
y  una buena parte de su obra es considerada
como  arte óptico.

El artista al realizar una obra, esta exteriorizando una “inquietud interior”, imprimiendo e impregnando sobre algún tipo de soporte todo lo que en el hay, utilizando la gráfica, el color, el volumen, la textura, el sonido, las palabras, y todos los recursos que estime convenientes, para poder dar a conocer esta inquietud que busca ser manifestada. Esta inquietud, esta compuesta por tres elementos que considero muy importantes, y presentes en toda obra de arte. Lo Visual o Sensitivo (sonoro, lírico, gramatical, etc. según la disciplina artística), lo almático, y lo espiritual, estos tres factores juntos hacen un todo, que variara según la importancia que el artista le de a cada elemento, y de que tan consciente este de estos. Quisiera en las siguientes líneas desarrollar mi punto de vista con respecto al primero de estos tres puntos, y su importancia en la obra.

Lo visual dentro de la “inquietud” a manifestar, responde a elementos formales y técnicos, llámense color, valor, volumen, trazo, línea, materialidad, etc. Es el “Como hacer”, pero también se puede transformar en el “Que hacer”, si el artista le otorga mayor importancia a este elemento sobre los otros. Dentro de lo visual el artista adquiere un estilo determinado que lo distinguirá o asemejará a los demás. Esta parte de la inquietud hace decidir al artista sobre su identidad estética. Es equivalente a un guitarrista decidiendo sobre que guitarra usar, que efectos incorporar, y que técnica (escalas, arpegios, acordes, melodía) predominará en su obra sonora.

Victor Vasarely, Hexa 5, 1988
Serigrafía.
El artista húngaro Victor Vasarely es
considerado el padre del Op Art

Lo visual o sensitivo, siempre estará presente. Hay obras en las que predomina lo visual por sobre lo almático y lo espiritual, elementos que siempre estarán , este o no consciente el artista, pero que pueden pasar a un plano secundario si es que el mensaje de lo almático y lo espiritual no llegan al espectador. Ejemplo de esto son las obras del Op Art o Arte Óptico, en las cuales hay un marcado predominio de lo visual. La intención principal (aparentemente) es mostrar la fuerte inquietud que el artista tiene sobre fenómenos de color, valor, forma, geometría, etc. Lo visual no solo es el “Como hacer”, si no que también es la razón del “Que hacer”. En el Op Art, probablemente no encontremos un mensaje moral, ideológico, valórico, político ni filosófico, no porque el artista no posea una posición en estos temas, si no más bien porque en su obra predomina una inquietud Visual. 

Claro esta lo atractivo de una obra predominantemente Visual o Sensitiva, en donde la técnica y el "ojo colorista" es maravilloso. Las reflexiones en torno a estas obras son básicamente en las áreas del color y el valor en esta sensación tridimencional, a pesar de ser todo bidimensional. 

En mi opinión, estas obras son muy interesantes, pero en lo personal no me dedicaría a hacer trabajos así, no porque este mal, si no porque carecen de un mensaje o una lectura que confronte al espectador.

En las siguientes entradas desarrollare la idea de lo Almático y de lo Espiritual en el arte. 

¿Grandes Modernos?

Creo que cualquier persona común y corriente, al escuchar nombres como Salvador Dalí o Pablo Picasso, de inmediato sabe qué se le habla de arte. ¿Pero que pasa al ver apellidos como Pollock, Boccioni, Duchamp, Brancusi, Braque, Kandinsky, Mondrían, Appel y Giacometti? Probablemente la mayoría pensaría que es el plantel de un equipo de fútbol europeo, o algo por estilo. La verdad es que todos los nombrados son algunos de los grandes pintores y escultores del siglo veinte, de los cuales se exhiben algunas obras en el Centro Cultural Palacio de La Moneda. La exposición llamada “Grandes Modernos”, correspondiente a la colección de Venecia, de la marchant de arte Peggy Guggenheim, ha estado desde el 31 de octubre en Santiago, y estará hasta este 26 febrero.

Pero…. ¿Por qué ir?

Porque es la exposición de arte más importante del 2012 y lo que va de 2013, con obras originales de reconocidos artistas, las cuales solo se pueden ver en Venecia y en Nueva York.

Mucha gente se queja de que la cultura y el arte no están a la mano, o que es para las "élites", pero habiendo posibilidades como estas, en que traen obras originales de grandes maestros, no asisten. Lamentablemente la gente no va, y la excusa es… “no entiendo esos cuadros”… bueno, en esta exposición, si lees atentamente los escritos en muro, aprenderás muchísimo sobre arte, las obras y sus contextos, y entenderás mucho más sobre cada obra…. Claro, es más fácil quedarse en casa viendo “Reality Shows”, y alegando que no hay cultura….

Mi invitación, es que vayas (si puedes), y formes una opinión acerca de lo que ves…  ya he ido en dos ocasiones, e iré por la tercera. Hay pintores que me impresionaron con su ingenio y técnica, pero la temática que abordan me desagradó enormemente… quizás  te agraden las manchas cargadas de expresión, que no parecen tener coherencia visual con el título, en la pintura de Jackson Pollock, o quizás te desagraden las perturbantes imágenes de Pablo Picasso… a no ser que algo de ellas haya dentro de ti… Bueno… esa es la idea, comenzar a tener un juicio sobre cada obra, pesando lo que espiritualmente hay en ellas. El arte se entiende mejor desde el espíritu, es más que mirar, dado a que el artista hizo mucho más que poner pintura, puso sobre la tela aquello que había contenido en su espíritu.

DONDE: Centro Cultural Palacio La Moneda

CUANDO:  Hasta el 26 de Febrero de 2013

VALOR: Entrada general $2.000. Estudiantes, convenios y adulto mayor $1.000

ENTRADA LIBERADA lunes a domingo hasta las 12:00 horas.

HORARIO: de 9:00 hrs. a 19:30hrs 

Si lamentablemente no puedes asistir, te dejo el link de la exposición en línea.... Obviamente nunca es mejor que ver el original en vivo y en directo.

http://exposicionenlinea.ccplm.cl/

Jackson Pollock

Número 18, 1950
Óleo y esmalte sobre masonita
56.0 x 56.7 cm

Van Gogh. ¿El legado de un profeta?

En esta “primera” entrada, quisiera hablar sobre un artista por el que tengo un aprecio especial, Vincent Van Gogh. Quizás muchos han escuchado este nombre, algunos por la historia de su oreja, otros solo saben que era un pintor. De estos últimos, pocos saben que su vida fue complejísima, en todo el sentido de la palabra, y que los 85 millones de dólares que vale hoy en día un cuadro de Van Gogh en el mercado del arte, contrastan radicalmente con la pobreza y la nula venta en vida de su obra.

¿Que tiene de especial este pintor? ¿Qué hizo que marcara la historia del arte? ¿Qué tiene su obra, que lo hace tan famoso?

Tiene lo que la crítica no entendió en su tiempo: Expresión.

Eligió no acercarse a copiar el mundo con la pintura, si no que a expresar con una fuerza impresionante, todo lo que deseaba decir  con el pincel. No era para nada académico en su forma de pintar, y en sus temas lo que hacía, sobre todo en un principio, era hablar de la cruda realidad de la pobreza espiritual y ecocómica de la sociedad que lo rodeaba.

Vincent Van Gogh

Los comedores de patatas

óleo sobre tela

1885

81,5x114,5 cm

Van Gogh Museum, Amsterdam

Simon Schama, en su programa “Power of Art”, dice de Van Gogh lo siguiente:

“Lo que otros diagnosticaron como una enfermedad mental, Vincent creyó que era una iluminación, una nueva visión de lo que el arte podía llegar a ser. Una revelación del Cielo, aquí en la tierra… Se creía un profeta entonces.”

¿Acaso eso no es lo más importante en la obra de Vincent? Claro que la expresión y lo emotivo de su obra es importante, de ahí viene el expresionismo, pero el “porque” es mayor, ya que le da sentido a la expresión . Él pintaba de lo espiritual, tanto de lo espiritual en la sociedad, como de lo espiritual en su interior, su obra es impactante por esto, no por lo bien que copia un modelo, o por la pulcritud de su técnica, lo que impacta es el como plasmó con el pincel lo espiritual que necesitaba expresar, a través de una escena, un paisaje, objeto o un retrato, estos eran la excusa para representar y expresar lo que había en su espíritu. Creo que eso es lo que hace de Van Gogh un grande.

En la obra de Vincent hay mucho sentido en todo, no esta el expresar por expresar, y este hacer expresivo ha sido poderoso hasta hoy. Mi pregunta es la siguiente,

¿Habrá gente que tome el “legado artístico-profético” que Van Gogh abrió, activándolo en nuestro presente siglo?  Espero que los haya hoy en día, y que su final en vida sea mejor que el de Vincent….. Nos vemos en la siguiente publicación.

Les dejo unos links a los que les interese Van Gogh 

El Poder del Arte, Vincent Van Gogh

Museo Van Gogh

Las Artes desde El Davar

Este espacio, será una instancia para hablar de Arte, desde una perspectiva diferente a la común, y con un lenguaje relativamente sencillo, ya que la esta hecho para todo público, sea del mundo del arte o un simple espectador de este. Hablaremos desde exposiciones actuales hasta obras célebres en la historia del arte, la idea es que podamos llegar a una mejor comprensión del impacto que las artes ejercen sobre quién las mira.

Este Blog debe su nombre a la expresión hebrea "DAVAR" que significa "Palabra creativa", y se usaba generalmente para hablar de las palabras que salen de la boca Dios, las cuales crearon todo lo que hay.
Espero que esta instancia virtual nos ayude a entender las artes y lo que esta contenido en ellas.

Te invito a mantenerte atento a las próximas publicaciones en desdeeldavar.blogspot.com

Israel Torres Barra

Enero 2013

Vincent Van Gogh

Noche estrellada 

1888, óleo sobre lienzo

72,5x72 cm.

Musée d'Orsay