7 puntos a considerar sobre el arte cristiano

El apogeo en los últimos años de términos como “Arte Profético”, “Arte del Reino”, “Arte Cristiano”, ha generado varias repercusiones en torno a la cultura de lo que se hace llamar Iglesia. Nunca antes habíamos visto que se le diera tanta relevancia a la pintura y las artes gráficas en cinco siglos de protestantismo. 

Por un lado esta tendencia es muy positiva, ya que las artes visuales nunca tuvieron un lugar importante en el mundo protestante siendo la principal razón de esto el sobre uso de la imagen por parte del catolicismo, que durante siglos se dedicó a cultivar y financiar obras de arte, no solo con un fin estético sino que también como una herramienta pedagógica y de control, sustentadas sobre el sentimiento de idolatría que se buscaba ejercer a través de las múltiples esculturas, retablos, y frescos en que se enmarcaba la liturgia.

Cuando estalla la Reforma Protestante, pareciera que la idolatría y la manipulación de masas por medio del arte ya había generado suficientes anticuerpos. Esto generó una distancia del movimiento protestante hacia las artes visuales. Esta es la razón por la que hay tan pocos pintores protestantes que se dediquen a mostrar de manera explícita su relación con lo divino por medio de su arte (en casi 5 siglos). Pero eso es otro tema.

Esta corriente iconoclasta me parece justa en cierta medida. No era bueno lo que se hacia con la pintura y la escultura. La manera horrible con que se pretendían controlar a los pueblos por medio de la religión, teniendo a las artes como arma de adoctrinamiento, era algo francamente horrible. Pero por otro lado el rechazo generó la carencia de movimientos pictóricos y escultóricos por parte del nuevo mover del espíritu que se estaba desatando en cada época y lugar desde el S. XVI. 

Hace pocos años que los conceptos que anteriormente menciono comenzaron a inundar algunas congregaciones. De a poco se comenzó a aceptar la idea de que de cierta manera alguien con ciertas habilidades artísticas podía pintar o dibujar algo esta siendo inspirado por Dios, de alguna manera, como quien predica o canta. 

Todo esto parece muy bien. Pero quisiera advertir algunos puntos que me llaman la atención en esta primera ola de arte en las congregaciones cristianas de este siglo:

1. La relación arte-templo y arte-liturgia NO es indispensable. De alguna manera la gente se acostumbró a llamar arte profético o cristiano al resultado artístico de una persona pintando mientras la liturgia sucede. Pintar dentro de un lugar de reuniones no se hace que la acción sea más santa o más pura, y hay un error en pensar que el arte solo se debe desarrollar en este contexto, porque lo vuelve irremediablemente religioso, y lo priva de tener un impacto fuera de la congregación. Por otro lado se genera la noción de que el artista siempre tiene la instantaneidad necesaria para comenzar y terminar una obra durante el horario de culto, y esto no es así… hay obra que te puede llevar años realizar. Con esto no estoy diciendo que sea malo pintar en medio de una reunión, pero debemos saber y hacer saber de que no es la única instancia para hacerlo.
2. Una vistazo a la Calle. Hay muchas maneras de hacer arte, y muchos temas que se pueden abordar. Dios no esta interesado solamente en la reunión del domingo, pero es necesario inquirir en lo que quiere que toque con arte. Esto esta muy vinculado al primer punto, ya que hay muchas formas de ser testigos de la voz del Padre a través de las disciplinas artísticas. Hay tantos temas que se pueden abordar, pero es necesario que los que se hacen llamar hijos De Dios le pongan atención a lo que su Padre esta hablando sobre aquello. Qué podemos decir desde el arte sobre las creación, la contaminación, la migración, los refugiados , el consumismo, la ansiedad, el maltrato, el acoso, etc. Cuando leemos lo que los profetas hablaban al pueblo, nos damos cuenta de que a Dios no le interesa solo lo que pasa en un lugar de reuniones. Por otro lado hay muchos lugares para exponer, tanto galerías, como espacios públicos, donde puede resonar algo que esta sonando en el Espíritu. Pero para esto hay que inquirir, gestionar, y trabajar bastante… no basta con un día a la semana. Algunos recibirán diseños para ministrar directamente a lo congregación, pero otros para ministrar en otros espacios… ¡atentos a eso!
3. La saturación iconográfica. Por alguna razón el arte en las congregaciones esta saturado por los mismo elementos. Se repiten por cientos las águilas, los leones, las menorah, los shofares. Esta tendencia es mucho más compleja de lo que parece. Primero porque pareciera que el uso de estos símbolos fueran sinónimos de que lo que se esta haciendo es algo profético, y esto no es así. Esta saturación solo nos arriesga a caer en el mismo sentimiento de idolatría del que nos venimos limpiando por siglos. Por supuesto que estos elementos no son malos en si mismos, pero su sobre uso esta trayendo viejos vicios a relucir. Esto paso con la serpiente de bronce que Dios le pide a Moisés que haga para que al mirarla el pueblo fuera sanado de las mordeduras de las víboras. Al tiempo la transformaron en un ídolo que debió ser destruido.
4. Carencia de oficio. Me parece bien que el interés artístico crezca, eso es muy positivo en varias formas. Lo complicado es cuando asumimos que porque alguien pinta una vez a la semana en el culto es un artista. Esto NO es así. Las diferentes disciplinas artísticas requieren una búsqueda rigurosa, tanto en la técnica, en las problemáticas que se abordan, en las formas, en investigación, en gestión, etc, etc. Quizás tu no eres artista de oficio, pero puedes expresarte artísticamente con confianza en lo que estas recibiendo (eso está muy bien). Mi consejo es que no reduzcas lo que estas haciendo solo a una obra… dale vueltas, resuelve de diferentes maneras, genera series, relacionalo con escrituras, con lo que vives, con el lugar donde vives… eso enriquecerá tu trabajo. 
5. NO solo existe la pintura. Hay tantas manera de expresar de manera creativa y artística lo que estas recibiendo que es un error pensar solo en la pintura como una opción. Mucha gente se frustra en el intento de pintar, simplemente porque el resultado no era el que esperaban. El error esta en pensar en arte como sinónimo de pintura, y esto no es así. Puedes pintar y no estar haciendo arte, como puedes hacer arte sin necesidad de pintar. ¡Hay tantas opciones! El arte del Siglo XX nos regaló la magnífica posibilidad de poder hacer arte como nunca lo habíamos pensado, interviniendo objetos, usando la escritura, incorporando nuevos medios, tecnologías, performance, generando interacciones entre las personas, experimentando, involucrando ciencias, historia, sonidos, mezclando el arte con otras disciplinas, etc, etc. Este punto es una invitación a ver más allá de tus paradigmas de que es arte o no. Date una vuelta por algún museo de arte contemporáneo y verás que es mucho más amplio de lo que piensas.
6. Cuidado con el sobredefinir. Muchas veces esta todo tan codificado que no deja espacios para que la obra quede abierta. Muchas veces me preguntan sobre que significa lo que hice… y la verdad es que siempre prefiero dejarlo abierto. Esa apertura permite que la obra este viva, que pueda mirarse una semana después o diez años después y signifique algo nuevo. Hay obras que las hago con un entendimiento inicial, pero al tiempo tengo otra comprensión, mucho más profunda de lo que hice. Pero esto no es posible cuando defino todo en la obra. Por ejemplo, cuando se le asignan significados cerrados a los colores, animales, formas, o a diferentes elemento. Eso es muy negativo, porque no permite que otra persona pueda oír lo que el Espíritu le quiere hablar a través de la imagen, sonido, poemas, etc, y solo condiciona la lectura a lo que solo uno entendió.
7. Siempre hay algo nuevo. Quizás no sea nuevo técnicamente, ni estéticamente, pero puede contener algo que no se había dicho ni soltado sobre un lugar determinado, quizás de una manera muy evidente y todos lo puedan entender, o quizás en misterios, de difícil comprensión intelectual, pero de gran impacto en el espíritu de quien lo presencie. Esto requiere que inquiramos constantemente, para ser testigos genuinos y verdaderos de lo que nuestro arte esta mostrando. 

"Esperanza Arauco",
Tinta + Digital + Escritura en Décimas
2019

"Sin embargo, hablamos sabiduría entre los que han alcanzado madurez; pero una sabiduría no de este siglo, ni de los gobernantes de este siglo, que van desapareciendo,

sino que hablamos sabiduría de Dios en misterio, la sabiduría oculta que, desde antes de los siglos, Dios predestinó para nuestra gloria; 

la sabiduría que ninguno de los gobernantes de este siglo ha entendido, porque si la hubieran entendido no habrían crucificado al Señor de gloria;

sino como está escrito: COSAS QUE OJO NO VIO, NI OIDO OYO, NI HAN ENTRADO AL CORAZON DEL HOMBRE, son LAS COSAS QUE DIOS HA PREPARADO PARA LOS QUE LE AMAN. Pero Dios nos las reveló por medio del Espíritu, porque el Espíritu todo lo escudriña, aun las profundidades de Dios.” 

1Corintios 2:6-10

¿Artista o artesano?

Escribo estas líneas con una cierta preocupación… he escuchado a varias personas denominar a los artistas proféticos como artesanos, bajo la cuestionable premisa de que el concepto “artista” corresponde a los artesanos que rinden sus talentos al sistema babilónico.

Con respecto a la diferencia entre artista y artesano, quisiera aclarar que ninguno de los dos conceptos es malo, ya que ambos, artesanos y artistas, cumplen roles muy importantes en la sociedad, sin embargo, no los podemos ni debemos confundir.

Artistas y artesanos son muy diferentes, a pesar de que la raíz latina de ambas palabras es la misma (ars) la cual hace referencia a una técnica. Artesanía viene de artis y manus, ambas palabras de origen latín y que juntas significarían algo así como “técnica manual” o “arte con las manos”. Esta definición etimológica ha definido la labor del artesano durante muchos siglos, al punto de que no hay mayores variantes en el oficio artesanal, ya que este se apega a la tradición técnica. Por contraparte, desde el siglo XV que el concepto de artista ha tomado distintos significados y connotaciones en el tiempo. Cada siglo tuvo quiebres en los conceptos de arte y artista, siendo el artista un protagonista de los cambios históricos, sociales, ideológicos, económicos y políticos de su época. Ya desde las vanguardias de principios del siglo XX, que los artistas comenzaron a prescindir de la técnica, para darle preponderancia al contenido conceptual de la obra. Esto es muy drástico e impensable para un artesano, el cual debe su oficio a la técnica y a la utilidad de los objetos que crea.

De esto podemos desprender otro paradigma obsoleto, y es el pretender darle el nombre de arte a la técnica. Por ejemplo, en la plaza de armas de mi país, hay una gran cantidad de pintores, pero la mayoría de estos podrían ser considerados artesanos, porque a partir de la técnica manual y tradicional de la pintura confeccionan un objeto (cuadro), el cual tiene por fin utilitario la decoración de un espacio. Digo esto, ya que no todo aquel que pinta es artista, hay muchos artistas que nunca han tomado un pincel, sin embargo, sus obras buscan trazar en el espíritu una serie de ideas que no dejan indiferentes a los espectadores. Con esto no menosprecio la labor de los artesanos pictóricos, de hecho, pienso que es muy importante, ya que veo con muy buenos ojos la decoración a partir de las técnicas pictóricas, pero la técnica no los constituye en artistas.

Por otro lado, el concepto de artesano, por el hecho de estar ligado implícita y explícitamente al concepto de artesanía, deja afuera a todo aquel que no desempeñe una técnica manual tradicional, como quien se dedique al canto, actuación, literatura, performance, instalación, entre otros. Este concepto limita a un campo demasiado reducido las posibilidades de expresión.

También existe la idea de que no debemos usar el término “artista”, ya que estos se han entregado a darle placer al mundo y al sistema. No podemos negar que esto ha ocurrido mucho durante los siglos, pero creo que es un error muy religioso el generalizar, sobre todo, cuando labores tan bellas como las disciplinas artísticas, fueran tan maltratadas por la Iglesia, al punto de condenar a quien las practicara o estudiara. Por otro lado, si esa fuera la vara para medirlo todo, ningún cristiano debería usar el concepto de abogado, médico, historiador, profesor, científico ni cualquier otro, ni siquiera el de pastor, profeta, maestro, apóstol o evangelista, ya que durante siglos hemos visto a un montón que ejerciendo alguna de estas labores se ha entregado a darle placer al mundo y al sistema. Pero no todos son así, y por eso entendemos que Dios puede llamar a alguien a cualquiera de estas áreas, y nombrar su oficio con plena pureza.

Existen tanto los artistas como los artesanos del Reino. Cumplen funciones diferentes, porque son diferentes, es un error pretender anular a uno o al otro, ya que necesitamos a ambos. Y Aunque en la práctica sean distintos, para ambos la consigna es la misma, dar testimonio del Cristo, sea a partir de un objeto utilitario o de una obra, lo importante es que el Cristo sea anunciado en todo y por todos.

ver MANIFIESTO DE ARTE PROFÉTICO

Todos somos artistas!

La palabra latina “ars” es la raíz de la palabra arte, la cual está relacionada con la griega tecné, que significa técnica. De ahí, que se acostumbra a usar la palabra arte para referirse al ejercicio de la técnica que sustenta distintas labores, como el arte de cocinar, vender, mentir, amar, etc, etc. Bajo esta óptica, todos seríamos artistas, ya que para todo oficio o labor que se realice durante algún tiempo, se adquiere un conocimiento técnico. El concepto de artista que tenemos hoy, se ha construido a través de los siglos, y supera ampliamente a quien solo es capaz de ejecutar admirablemente una técnica. Del artista se espera mucho más que solo domine una disciplina, se espera que genere reflexión, crisis, que abra nuevas miradas, critique, abrace, conforte, represente, profetice, juzgue, rompa los esquemas, etc, etc. Esto es mucho más que cantar, pintar, actuar, escribir. Del artista se espera mucho más que el dominio de la técnica, pero sin prescindir de esta.

Un grupo de amigos en Copiapó, realizando una potente acción luego del devastador aluvión que afecto a la 3era región en Chile. Esto no fue solo una acción solidaria, fue profético, artístico y social.

El artista alemán Joseph Beuys se aferró a la idea de que todos podemos ser artistas. Esta idea es denominada como “Concepto ampliado de las artes”, y contempla que cada persona puede generar arte desde lo cotidiano de sus acciones. Beuys, fiel a su pensamiento, tomaba las pizarrones (para tiza) luego de dar una clase, y los conservaba para exponerlos. El decía que su rol como maestro era una de sus principales obras de arte. En una ocasión su obra fue plantar 7 mil robles en Documenta V de Kassel, acción realizada con cientos de personas que quisieron ser parte de la obra durante mucho tiempo. Otra de sus obras consistió en una gestión para reactivar la agricultura en Italia, el cual conllevó una serie de esfuerzos por recobrar herramientas y un plan de difusión para llevar a cabo el proyecto. Para Beuys "cada hombre un artista", ya que para él la acción creativa era el motor para mover el mundo, y no podia ser reducida a la elite artística.

Cito a Beuys (de manera no tan profunda como debiera), ya que es un claro ejemplo de como las acciones pueden ser consideradas arte, si tomamos conciencia de la magnitud de estas, y la direccionamos y encausamos como obras, resaltando lo sublime de la acción y su intención, más que la técnica en si misma. Tu y yo podemos hacer arte sin pintar ni esculpir, solamente haciendo que nuestras acciones diarias sean intencionadas, otorgándole la magnitud e importancia debida. Es elevarse más alto que los demás, y mirar la magnitud de lo que haces desde una perspectiva eterna, dimensionando lo que puedes llegar a generar solo por ser sensible al Espíritu y llevar esto a la acción. Tu vida se convertirá en Arte, en una Profecía andante, que no necesita de galerías ni de templos, simplemente es, trayendo lo eterno en cada segundo. No estoy en contra ni de galerías ni de templos, pero no deben ser limitantes ni atrofiantes de lo que se debe desatar en nuestras ciudades. Tu eres la obra profética que la ciudad día a día esta esperando. 
Video sobre Arte y Cultura del Reino

Joseph Beuys en Documenta V de Kassel, juntoa decenas de personas plantando robles. Paralelamente dejó 7 mil bloques de piedra afuera del museo Fridericianum, en donde se realizaba la bienal. Los 7 mil no serían retirados hasta que los 7 mil robles fueran plantados, para que los ciudadanos y autoridades tomara conciencia. La acción duró 5 años, la cual completaron los seguidores del artista, ya que el murió 2 años antes. 

Fridericianum,

Fridericianum,

El arte y la Reforma

Hace unos días mi esposa me pregunto cómo veía yo la vinculación entre el arte y la Reforma de hoy, y creo importante que comencemos a entender de manera más profunda el rol de las artes en los cambios fundamentales de nuestros días y de los venideros.

Entendiendo la Reforma

Los primeros indicios de la Reforma, impulsada por hombres como John Wycliffe, Girolamo de Savonarola, Jan Hus, y Martin Lutero, tuvieron una incidencia social muy grande, que desbordaba lo eclesiástico, al punto de tocar de manera directa muchas áreas de la sociedad. Es un error ver la Reforma como un hecho meramente eclesiástico, y mucho más errante seria verlo como un acontecimiento religioso. La Reforma es esencialmente un hecho espiritual, y luego cultural y social, que no se detiene nunca, sino que está en un continuo avance, en la profundidad de lo eterno. Si la primera Reforma protestante se hubiera quedado en los templos, simplemente no habría sido una reforma significativa ni trascendente. Todos los quiebres liderados por los ya nombrados reformadores, tuvieron una fuerte incidencia en las artes, con cierta predominancia en alguna disciplina especifica. Wycliffe influyo fuertemente en la literatura inglesa, Lutero en la música y en la literatura y lingüística germana, y Savoranola con sus fuertes mensajes remeció las bellas artes de la renacentista Florencia. La Reforma y el arte se mueven juntos y en armonía, y debe ser por la potencia que tienen las artes para formar la cultura de las ciudades. Cada vez que las artes se dejaron llevar  por el espíritu de la Reforma el resultado fue un quiebre cultural rotundo, que remeció a las sociedades y  las obligo a cambiar.

Lo que mata la  acción del arte en la Reforma

La influencia de las artes como agente reformador se vio anulada por un fuerte pensamiento doctrinal; el dualismo. El pensar que en la vida del ser humano existen las cosas elevadas y espirituales en contraposición de las naturales y terrenales, llevó a la Iglesia reformada a menospreciar a las disciplinas artísticas, dándoles un rotulo tajante y mortal, al denominarlas, junto a otras actividades, como terrenal, natural, sin ninguna importancia espiritual. Ese pensamiento anuló la posibilidad de que existieran importantes movimientos pictóricos ni escultóricos de Reforma, lo cual fue aprovechado por la Contrarreforma y por el Humanismo, los que levantaron grandes baluartes culturales, ideológicos y filosóficos, ocupando a las artes como anclajes sociales.

La Reforma de hoy debe tomar las artes como un arma,  conscientes del poder que está en estas, para impactar la sociedad, y de esta forma poner en crisis sus cimientos corruptos. Es un error pensar que el Arte Profético es solo para la Iglesia, o para hermosear templos. ¿Acaso los profetas no tenían un mensaje social, político, económico y cultural atingente a su tiempo? A pesar de que el mensaje es esencialmente espiritual, no puede ni debe ser emitido como una propuesta meramente religiosa, eso dejémoselo a los Tedeum. Hay consignas de Reforma que deben ser hechas artísticamente para que se que anuncien en los aires, son palabras del cielo que están esperando que un profeta-artista las pregone. Solo de esta forma el arte profético comienza a hallar un sentido trascendente, y toma con propósito su hermoso rol dentro de la Reforma.

 Te llamo a ver y oír, a elevar tu corazón, y a traer un mensaje reformador, que se desenmarque de la estructura religiosa, y que hable lo que el cielo está hablando fuera de los edificios de reunión. Este 2015 es un año para que el Arte de la Reforma se eleve, y anuncie con voz de mando sobre muchas gentes, llamándolos a ser y hacer, con ese llamado que solo el arte puede producir.