7 puntos a considerar sobre el arte cristiano

El apogeo en los últimos años de términos como “Arte Profético”, “Arte del Reino”, “Arte Cristiano”, ha generado varias repercusiones en torno a la cultura de lo que se hace llamar Iglesia. Nunca antes habíamos visto que se le diera tanta relevancia a la pintura y las artes gráficas en cinco siglos de protestantismo. 

Por un lado esta tendencia es muy positiva, ya que las artes visuales nunca tuvieron un lugar importante en el mundo protestante siendo la principal razón de esto el sobre uso de la imagen por parte del catolicismo, que durante siglos se dedicó a cultivar y financiar obras de arte, no solo con un fin estético sino que también como una herramienta pedagógica y de control, sustentadas sobre el sentimiento de idolatría que se buscaba ejercer a través de las múltiples esculturas, retablos, y frescos en que se enmarcaba la liturgia.

Cuando estalla la Reforma Protestante, pareciera que la idolatría y la manipulación de masas por medio del arte ya había generado suficientes anticuerpos. Esto generó una distancia del movimiento protestante hacia las artes visuales. Esta es la razón por la que hay tan pocos pintores protestantes que se dediquen a mostrar de manera explícita su relación con lo divino por medio de su arte (en casi 5 siglos). Pero eso es otro tema.

Esta corriente iconoclasta me parece justa en cierta medida. No era bueno lo que se hacia con la pintura y la escultura. La manera horrible con que se pretendían controlar a los pueblos por medio de la religión, teniendo a las artes como arma de adoctrinamiento, era algo francamente horrible. Pero por otro lado el rechazo generó la carencia de movimientos pictóricos y escultóricos por parte del nuevo mover del espíritu que se estaba desatando en cada época y lugar desde el S. XVI. 

Hace pocos años que los conceptos que anteriormente menciono comenzaron a inundar algunas congregaciones. De a poco se comenzó a aceptar la idea de que de cierta manera alguien con ciertas habilidades artísticas podía pintar o dibujar algo esta siendo inspirado por Dios, de alguna manera, como quien predica o canta. 

Todo esto parece muy bien. Pero quisiera advertir algunos puntos que me llaman la atención en esta primera ola de arte en las congregaciones cristianas de este siglo:

1. La relación arte-templo y arte-liturgia NO es indispensable. De alguna manera la gente se acostumbró a llamar arte profético o cristiano al resultado artístico de una persona pintando mientras la liturgia sucede. Pintar dentro de un lugar de reuniones no se hace que la acción sea más santa o más pura, y hay un error en pensar que el arte solo se debe desarrollar en este contexto, porque lo vuelve irremediablemente religioso, y lo priva de tener un impacto fuera de la congregación. Por otro lado se genera la noción de que el artista siempre tiene la instantaneidad necesaria para comenzar y terminar una obra durante el horario de culto, y esto no es así… hay obra que te puede llevar años realizar. Con esto no estoy diciendo que sea malo pintar en medio de una reunión, pero debemos saber y hacer saber de que no es la única instancia para hacerlo.
2. Una vistazo a la Calle. Hay muchas maneras de hacer arte, y muchos temas que se pueden abordar. Dios no esta interesado solamente en la reunión del domingo, pero es necesario inquirir en lo que quiere que toque con arte. Esto esta muy vinculado al primer punto, ya que hay muchas formas de ser testigos de la voz del Padre a través de las disciplinas artísticas. Hay tantos temas que se pueden abordar, pero es necesario que los que se hacen llamar hijos De Dios le pongan atención a lo que su Padre esta hablando sobre aquello. Qué podemos decir desde el arte sobre las creación, la contaminación, la migración, los refugiados , el consumismo, la ansiedad, el maltrato, el acoso, etc. Cuando leemos lo que los profetas hablaban al pueblo, nos damos cuenta de que a Dios no le interesa solo lo que pasa en un lugar de reuniones. Por otro lado hay muchos lugares para exponer, tanto galerías, como espacios públicos, donde puede resonar algo que esta sonando en el Espíritu. Pero para esto hay que inquirir, gestionar, y trabajar bastante… no basta con un día a la semana. Algunos recibirán diseños para ministrar directamente a lo congregación, pero otros para ministrar en otros espacios… ¡atentos a eso!
3. La saturación iconográfica. Por alguna razón el arte en las congregaciones esta saturado por los mismo elementos. Se repiten por cientos las águilas, los leones, las menorah, los shofares. Esta tendencia es mucho más compleja de lo que parece. Primero porque pareciera que el uso de estos símbolos fueran sinónimos de que lo que se esta haciendo es algo profético, y esto no es así. Esta saturación solo nos arriesga a caer en el mismo sentimiento de idolatría del que nos venimos limpiando por siglos. Por supuesto que estos elementos no son malos en si mismos, pero su sobre uso esta trayendo viejos vicios a relucir. Esto paso con la serpiente de bronce que Dios le pide a Moisés que haga para que al mirarla el pueblo fuera sanado de las mordeduras de las víboras. Al tiempo la transformaron en un ídolo que debió ser destruido.
4. Carencia de oficio. Me parece bien que el interés artístico crezca, eso es muy positivo en varias formas. Lo complicado es cuando asumimos que porque alguien pinta una vez a la semana en el culto es un artista. Esto NO es así. Las diferentes disciplinas artísticas requieren una búsqueda rigurosa, tanto en la técnica, en las problemáticas que se abordan, en las formas, en investigación, en gestión, etc, etc. Quizás tu no eres artista de oficio, pero puedes expresarte artísticamente con confianza en lo que estas recibiendo (eso está muy bien). Mi consejo es que no reduzcas lo que estas haciendo solo a una obra… dale vueltas, resuelve de diferentes maneras, genera series, relacionalo con escrituras, con lo que vives, con el lugar donde vives… eso enriquecerá tu trabajo. 
5. NO solo existe la pintura. Hay tantas manera de expresar de manera creativa y artística lo que estas recibiendo que es un error pensar solo en la pintura como una opción. Mucha gente se frustra en el intento de pintar, simplemente porque el resultado no era el que esperaban. El error esta en pensar en arte como sinónimo de pintura, y esto no es así. Puedes pintar y no estar haciendo arte, como puedes hacer arte sin necesidad de pintar. ¡Hay tantas opciones! El arte del Siglo XX nos regaló la magnífica posibilidad de poder hacer arte como nunca lo habíamos pensado, interviniendo objetos, usando la escritura, incorporando nuevos medios, tecnologías, performance, generando interacciones entre las personas, experimentando, involucrando ciencias, historia, sonidos, mezclando el arte con otras disciplinas, etc, etc. Este punto es una invitación a ver más allá de tus paradigmas de que es arte o no. Date una vuelta por algún museo de arte contemporáneo y verás que es mucho más amplio de lo que piensas.
6. Cuidado con el sobredefinir. Muchas veces esta todo tan codificado que no deja espacios para que la obra quede abierta. Muchas veces me preguntan sobre que significa lo que hice… y la verdad es que siempre prefiero dejarlo abierto. Esa apertura permite que la obra este viva, que pueda mirarse una semana después o diez años después y signifique algo nuevo. Hay obras que las hago con un entendimiento inicial, pero al tiempo tengo otra comprensión, mucho más profunda de lo que hice. Pero esto no es posible cuando defino todo en la obra. Por ejemplo, cuando se le asignan significados cerrados a los colores, animales, formas, o a diferentes elemento. Eso es muy negativo, porque no permite que otra persona pueda oír lo que el Espíritu le quiere hablar a través de la imagen, sonido, poemas, etc, y solo condiciona la lectura a lo que solo uno entendió.
7. Siempre hay algo nuevo. Quizás no sea nuevo técnicamente, ni estéticamente, pero puede contener algo que no se había dicho ni soltado sobre un lugar determinado, quizás de una manera muy evidente y todos lo puedan entender, o quizás en misterios, de difícil comprensión intelectual, pero de gran impacto en el espíritu de quien lo presencie. Esto requiere que inquiramos constantemente, para ser testigos genuinos y verdaderos de lo que nuestro arte esta mostrando. 

"Esperanza Arauco",
Tinta + Digital + Escritura en Décimas
2019

"Sin embargo, hablamos sabiduría entre los que han alcanzado madurez; pero una sabiduría no de este siglo, ni de los gobernantes de este siglo, que van desapareciendo,

sino que hablamos sabiduría de Dios en misterio, la sabiduría oculta que, desde antes de los siglos, Dios predestinó para nuestra gloria; 

la sabiduría que ninguno de los gobernantes de este siglo ha entendido, porque si la hubieran entendido no habrían crucificado al Señor de gloria;

sino como está escrito: COSAS QUE OJO NO VIO, NI OIDO OYO, NI HAN ENTRADO AL CORAZON DEL HOMBRE, son LAS COSAS QUE DIOS HA PREPARADO PARA LOS QUE LE AMAN. Pero Dios nos las reveló por medio del Espíritu, porque el Espíritu todo lo escudriña, aun las profundidades de Dios.” 

1Corintios 2:6-10

-¿Es o no es? He ahí el dilema...

Sobre Realidad Virtual, Aumentada y otras representaciones

Hagamos corta la historia larga…

El arte y la tecnología parecen avanzar juntos desde hace siglos. Muchos avances tecnológicos fueron desarrollados por artistas, o simplemente al llegar a estos desde la ciencia, fueron potenciados por la labor artística. Ejemplo de esto es la cámara lucida, precedente del daguerrotipo, invento que daría paso a la invención de la fotografía, la cual a su vez dio paso al video. En la medida en que el video fue perfeccionando la calidad de la imagen, sus colores, definición, comenzaron a entrar tecnologías que llevaron la imagen a otro nivel. Hace ya varias décadas (casi seis para ser exacto) la realidad virtual (RV) comenzó a desarrollarse de manera acelerada en el mundo, sin ser masivo, pero con experimentos significativos. Se comenzaron a usar términos como holograma, imagen tridimensionalidad, sensorama, etc, etc.

En 1965 Ivan Sutherland acuñaría el término Realidad Virtualidad, diciendo que la pantalla es una ventana por la cual podemos mirar un mundo virtual. Luego de desarrolla el primer casco visor de RV, en 1968 junto a David Evans desarrollarían el primer generador de escenarios con imágenes tridimensionales.

De esta manera se fueron generando avances significativos, que sofisticaron los instrumentos y dispositivos usados en la RV, mientras que también se desarrollo el uso masivo de estos dispositivos, como lo vemos hoy, lentes de RV por todos lados, y la posibilidad de desarrollar escenas de RV de una manera no tan inaccesible como hace un par de décadas.

La RA propone la mixtura entre elementos virtuales y
reales a través de un dispositivo (smartphone). Algunos lo
 consideran como una manera de declarar que un ser esta en ese lugar,
posición que solo alimenta la existencia de algo inexistente

Por su parte, la Realidad Aumentada (RA), no busca crear una realidad en la que el espectador observar, sino que busca que por medio de un dispositivo tecnológico (como un Smartphone), por el cual ver el mundo físico mezclado con elementos virtuales, este es el caso de Pokemon Go, el juego de RA más popular del momento.

El tema de la RV y la RA es muy interesante, ya que el desarrollador, sea artista, instructor militar, científico, educador o compañía de videojuegos, crea una alter realidad, en la que el espectador puede involucrarse e interactuar con ella, como si fuera parte de la Realidad.

Esta propuesta es percibida por el espectador con diferentes grados de involucramiento. Esto es complejo, ya que podemos ver a diario a masas de gente moviéndose por una aplicación que mezcla su ciudad con estos “simpáticos” monstruos que están por todos lados.

Mucha gente cristiana se volvió paranoica. “Están poniendo demonios por todos lados”, decían algunos.  En parte es razonable la preocupación, sobre todo cuando entendemos que el arte ha sido una herramienta usada muchísimas veces en la historia y en todo el mundo para representar realidades no perceptibles a los ojos.  Si vas a una fuente en una ciudad, o a una plaza de armas, te darás cuenta de que quienes las diseñan están evocando algo en el espíritu que no es perceptible a los ojos, y que de cierta manera busca profetizar en el lugar. Las pinturas de Diego Velázquez, Caravaggio, Rembrandt, Vermeer, impactaban a las personas por su manera de representar la realidad, y es en parte porque el arte y la pintura siempre evocan una Realidad Virtual, inexistente en lo matérico, pero evocativo en el espíritu del espectador.

Cada persona construye su mundo a partir del conjunto de creencias que posee. Estas creencias o sistema de fe en la persona, constituyen una realidad para si mismo. Cuando una persona cree en algo, este algo se vuelve parte de lo que el entiende por realidad, y por lo tanto modificará la manera en que el sujeto verá el resto del mundo.

Escena de "Volver al Futuro", cuando Marty Mcfly
se encuentra por primera vez con una animación de  RV.
Su inexperiencia le hace pensar que es la Realidad.

Cuando estas frente a una obra, esta puede que realmente este manifestando algo en el espíritu o puede que no. Lo que hará una diferencia es si es alimentado por una fe o no, y si es que esta es una fe correcta.

De esta manera puedes ver muchas figuras de yeso que son idolatradas, siendo que como objeto no representan mucho ni en valor físico ni en el espíritu, sin embargo la fe de la gente alimenta el culto a estas imágenes durante cientos de años, y si estas se queman o se rompen, la presunción de las personas las volverá a posicionar como ídolos, una y otra vez. Finalmente vez que la gente no esta cautiva a la estatua, sino que a un sistema de creencias que se encarga de sostener el culto y el cautiverio que este provoca.

La serpiente que levanto Moisés en el desierto configuraba una realidad de parte de Dios para un pueblo, al que traía una condición de sanidad. La pureza con que fue creada esta escultura fue alterada al ensuciarse la fe del pueblo, y llevándolos a la idolatría. No cambio la escultura, lo que cambio fue la fe.

En el caso de la ciudad de Éfeso el cambio de fe de la ciudad dejó obsoleto el culto a la diosa Diana. Por esta razón los artesanos de la ciudad entraron en conflicto con los cristianos, porque la ciudad reconfiguro su mundo y dejo de sostener la mentira que estaba detrás de las figuras que representaban a Diana.

Independiente a que tipo de tecnología se utilice en la representación artística, sea desde el papel hasta la RV o la RA, lo que dará vigencia a la obra será el papel que ocupa en la configuración del mundo del espectador. Da igual si prohíbes a tus hijos jugar Pokemon Go o si vas a las casas de tus amigos rompiendo imágenes de santos, vírgenes o budas. Si piensas que algunas de estas representaciones es dañina entonces procura que la fe de las personas cambie, haciendo que la representación pierda todo sentido en el mundo de la gente.

Si hemos de usar nuevas tecnologías o técnicas más convencionales para representar algo del espíritu, procuremos que estas enfaticen una fe sana y correcta, llena de la voz del Padre en lo que estamos mostrando, configurando una representación propicia de lo que él anhela para un lugar y un tiempo. Esto conllevará que cancelemos las memorias de idolatría que alimentaron nuestra fe hasta hoy, en cada ámbito y momento, y comencemos a manifestar las memorias de lo que realmente vino de antes de la fundación del mundo, que es lo que realmente es.

“…pero veis y oís que este Pablo, no solamente en Efeso, sino en casi toda Asia, ha apartado a muchas gentes con persuasión, diciendo que no son dioses los que se hacen con las manos. Y no solamente hay peligro de que este nuestro negocio venga a desacreditarse, sino también que el templo de la gran diosa Diana sea estimado en nada, y comience a ser destruida la majestad de aquella a quien venera toda Asia, y el mundo entero.”  Hechos 19:26-27

¿Artista o artesano?

Escribo estas líneas con una cierta preocupación… he escuchado a varias personas denominar a los artistas proféticos como artesanos, bajo la cuestionable premisa de que el concepto “artista” corresponde a los artesanos que rinden sus talentos al sistema babilónico.

Con respecto a la diferencia entre artista y artesano, quisiera aclarar que ninguno de los dos conceptos es malo, ya que ambos, artesanos y artistas, cumplen roles muy importantes en la sociedad, sin embargo, no los podemos ni debemos confundir.

Artistas y artesanos son muy diferentes, a pesar de que la raíz latina de ambas palabras es la misma (ars) la cual hace referencia a una técnica. Artesanía viene de artis y manus, ambas palabras de origen latín y que juntas significarían algo así como “técnica manual” o “arte con las manos”. Esta definición etimológica ha definido la labor del artesano durante muchos siglos, al punto de que no hay mayores variantes en el oficio artesanal, ya que este se apega a la tradición técnica. Por contraparte, desde el siglo XV que el concepto de artista ha tomado distintos significados y connotaciones en el tiempo. Cada siglo tuvo quiebres en los conceptos de arte y artista, siendo el artista un protagonista de los cambios históricos, sociales, ideológicos, económicos y políticos de su época. Ya desde las vanguardias de principios del siglo XX, que los artistas comenzaron a prescindir de la técnica, para darle preponderancia al contenido conceptual de la obra. Esto es muy drástico e impensable para un artesano, el cual debe su oficio a la técnica y a la utilidad de los objetos que crea.

De esto podemos desprender otro paradigma obsoleto, y es el pretender darle el nombre de arte a la técnica. Por ejemplo, en la plaza de armas de mi país, hay una gran cantidad de pintores, pero la mayoría de estos podrían ser considerados artesanos, porque a partir de la técnica manual y tradicional de la pintura confeccionan un objeto (cuadro), el cual tiene por fin utilitario la decoración de un espacio. Digo esto, ya que no todo aquel que pinta es artista, hay muchos artistas que nunca han tomado un pincel, sin embargo, sus obras buscan trazar en el espíritu una serie de ideas que no dejan indiferentes a los espectadores. Con esto no menosprecio la labor de los artesanos pictóricos, de hecho, pienso que es muy importante, ya que veo con muy buenos ojos la decoración a partir de las técnicas pictóricas, pero la técnica no los constituye en artistas.

Por otro lado, el concepto de artesano, por el hecho de estar ligado implícita y explícitamente al concepto de artesanía, deja afuera a todo aquel que no desempeñe una técnica manual tradicional, como quien se dedique al canto, actuación, literatura, performance, instalación, entre otros. Este concepto limita a un campo demasiado reducido las posibilidades de expresión.

También existe la idea de que no debemos usar el término “artista”, ya que estos se han entregado a darle placer al mundo y al sistema. No podemos negar que esto ha ocurrido mucho durante los siglos, pero creo que es un error muy religioso el generalizar, sobre todo, cuando labores tan bellas como las disciplinas artísticas, fueran tan maltratadas por la Iglesia, al punto de condenar a quien las practicara o estudiara. Por otro lado, si esa fuera la vara para medirlo todo, ningún cristiano debería usar el concepto de abogado, médico, historiador, profesor, científico ni cualquier otro, ni siquiera el de pastor, profeta, maestro, apóstol o evangelista, ya que durante siglos hemos visto a un montón que ejerciendo alguna de estas labores se ha entregado a darle placer al mundo y al sistema. Pero no todos son así, y por eso entendemos que Dios puede llamar a alguien a cualquiera de estas áreas, y nombrar su oficio con plena pureza.

Existen tanto los artistas como los artesanos del Reino. Cumplen funciones diferentes, porque son diferentes, es un error pretender anular a uno o al otro, ya que necesitamos a ambos. Y Aunque en la práctica sean distintos, para ambos la consigna es la misma, dar testimonio del Cristo, sea a partir de un objeto utilitario o de una obra, lo importante es que el Cristo sea anunciado en todo y por todos.

ver MANIFIESTO DE ARTE PROFÉTICO

La cosmovisión tras la obra

La obra de arte es el resultado de una compleja operación en la que convergen una gran cantidad de factores espirituales, sociales, políticos, históricos y personales, todos estos forman la cosmovisión del artista. Los movimientos artísticos nunca han aparecido en la historia por generación espontánea , siempre son parte de un caudal de pensamiento mayor, que abastece espiritualmente a los profetas/sacerdotes de la cultura, que serán los encargados de traspasar y representar los principios espirituales que han recibido. De esta forma, cuando un artista desarrolla su obra, funciona como una especie de embudo que canaliza hacia el espectador este enorme caudal que está tras él.

Detalle de "Las señoritas de Avignon" de Pablo Picasso, 1907.

De esta forma podemos la famosa pintura de Pablo Picasso, "Las señoritas de Avignon", de 1907. Esta obra es la puerta que abre el período cubista. El Cubismo a tenido muchos análisis y miradas en estos más de cien años, y sobre todo esta obra de Picasso... pero esto no viene de la nada. La imagen en las artes visuales tenía serios cambios desde Turner en adelante, siendo el siglo XIX una época de profunda descomposición de la representación pictórica de la realidad. Podemos ver como los dioses,  son remplazados por gente común y corriente, y las Venus son homologadas por prostitutas. Es el Siglo en el que el humanismo financia al naturalismo de Darwin, y Nietzsche hijo de una familia protestante afirma que los hombres han matado a Dios. Si el hombre mató a su creador, el hombre está perdido, y el vértigo de mediados del siglo XIX con la Revolución Industrial, no hace nada más que enfatizar esta crisis existencial en el espíritu de la humanidad de la época. El hombre es reemplazado por la maquinaria, las maquinas fotográficas van a la caza de los pintores... y ¿que hacen los pintores? pintan a personas que se descomponen en los años, primero son manchas, luego puntos, luego figuras geométricas... pintan personajes que han sido deshumanizados, que han perdido la humanidad y la identidad con la que han sido creados, porque los torrentes de la época han decidido que el Creador ya no existe. Es así que podemos ver a "Las señoritas de Avignon", ¿son morales? ¿Son inmorales? ninguna de las dos... son amorales, porque ni siquiera son personas, no responder a los valores con los que medimos a la gente, es una hombre cargada de relativismo, ya que  a quien conocíamos como La Verdad, fue ignorada.

Mi pregunta es la siguiente.... que hay detrás de tus obras?  (no aplica solo para las de arte), ¿Cuál es la cosmovisión que sustenta lo que haces 

¿Qué podemos leer detrás de tu manera e representar?

Todos somos artistas!

La palabra latina “ars” es la raíz de la palabra arte, la cual está relacionada con la griega tecné, que significa técnica. De ahí, que se acostumbra a usar la palabra arte para referirse al ejercicio de la técnica que sustenta distintas labores, como el arte de cocinar, vender, mentir, amar, etc, etc. Bajo esta óptica, todos seríamos artistas, ya que para todo oficio o labor que se realice durante algún tiempo, se adquiere un conocimiento técnico. El concepto de artista que tenemos hoy, se ha construido a través de los siglos, y supera ampliamente a quien solo es capaz de ejecutar admirablemente una técnica. Del artista se espera mucho más que solo domine una disciplina, se espera que genere reflexión, crisis, que abra nuevas miradas, critique, abrace, conforte, represente, profetice, juzgue, rompa los esquemas, etc, etc. Esto es mucho más que cantar, pintar, actuar, escribir. Del artista se espera mucho más que el dominio de la técnica, pero sin prescindir de esta.

Un grupo de amigos en Copiapó, realizando una potente acción luego del devastador aluvión que afecto a la 3era región en Chile. Esto no fue solo una acción solidaria, fue profético, artístico y social.

El artista alemán Joseph Beuys se aferró a la idea de que todos podemos ser artistas. Esta idea es denominada como “Concepto ampliado de las artes”, y contempla que cada persona puede generar arte desde lo cotidiano de sus acciones. Beuys, fiel a su pensamiento, tomaba las pizarrones (para tiza) luego de dar una clase, y los conservaba para exponerlos. El decía que su rol como maestro era una de sus principales obras de arte. En una ocasión su obra fue plantar 7 mil robles en Documenta V de Kassel, acción realizada con cientos de personas que quisieron ser parte de la obra durante mucho tiempo. Otra de sus obras consistió en una gestión para reactivar la agricultura en Italia, el cual conllevó una serie de esfuerzos por recobrar herramientas y un plan de difusión para llevar a cabo el proyecto. Para Beuys "cada hombre un artista", ya que para él la acción creativa era el motor para mover el mundo, y no podia ser reducida a la elite artística.

Cito a Beuys (de manera no tan profunda como debiera), ya que es un claro ejemplo de como las acciones pueden ser consideradas arte, si tomamos conciencia de la magnitud de estas, y la direccionamos y encausamos como obras, resaltando lo sublime de la acción y su intención, más que la técnica en si misma. Tu y yo podemos hacer arte sin pintar ni esculpir, solamente haciendo que nuestras acciones diarias sean intencionadas, otorgándole la magnitud e importancia debida. Es elevarse más alto que los demás, y mirar la magnitud de lo que haces desde una perspectiva eterna, dimensionando lo que puedes llegar a generar solo por ser sensible al Espíritu y llevar esto a la acción. Tu vida se convertirá en Arte, en una Profecía andante, que no necesita de galerías ni de templos, simplemente es, trayendo lo eterno en cada segundo. No estoy en contra ni de galerías ni de templos, pero no deben ser limitantes ni atrofiantes de lo que se debe desatar en nuestras ciudades. Tu eres la obra profética que la ciudad día a día esta esperando. 
Video sobre Arte y Cultura del Reino

Joseph Beuys en Documenta V de Kassel, juntoa decenas de personas plantando robles. Paralelamente dejó 7 mil bloques de piedra afuera del museo Fridericianum, en donde se realizaba la bienal. Los 7 mil no serían retirados hasta que los 7 mil robles fueran plantados, para que los ciudadanos y autoridades tomara conciencia. La acción duró 5 años, la cual completaron los seguidores del artista, ya que el murió 2 años antes. 

Fridericianum,

Fridericianum,

El problema de la Representación

Como bien dice la palabra Re-presentar, conlleva el ejercicio de volver a presentar algo que ya fue presentado. Cuando en el arte representamos un objeto, lo que estamos haciendo, es una reinterpretación de este, a través de la técnica que hemos escogido. En el conocido óleo "La traición de las imágenes", de Rene Magritte, se plantea un problema acerca de la representación. Esta pintura consiste en la imagen de una pipa, la cual es tensionada por la frase que está bajo esta, la cual señala: "Esto no es una pipa". Y claro, no es una pipa, es solo la representación una pipa. El propio Magritte diría «La famosa pipa. ¡Cómo la gente me reprochó por ello! Y sin embargo, ¿se podría rellenar? No, sólo es una representación, ¿no lo es? ¡Así que si hubiera escrito en el cuadro "Esto es una pipa", habría estado mintiendo!». Cada vez que pintamos, esculpimos, incluso, que fotografiamos, estamos haciendo representaciones de un algo, por hiperrealista que fuese la obra, no es más que una representación. Cuando tomamos una idea, o cuando percibimos algo en nuestro espíritu, que nos motiva a hacer una obra, el ejercicio técnico de pintar, componer, esculpir, intervenir un espacio, etc., es el esfuerzo por volver a presentar lo que en nuestro ser hemos percibido espiritualmente. Por lo tanto, en el espíritu algo se nos presenta, que nos motiva a representarlo a través de colores, formas, sonidos.

"La traición de las imágenes", Rene Magritte, 1928-1929 

En la Biblia, la representación es un principio, que le da forma a muchos hechos contenidos en esta, por ejemplo el de la Comunión, en que el pan representa al cuerpo, y el vino a la sangre de Jesucristo. De la misma forma el bautismo es una representación de morir para el mundo y de resucitar en él. De la misma forma los profetas funcionaban mucho por medio de representaciones, por ejemplo Jeremías y la representación profética del yugo (Jer. 27), la cual era totalmente atingente a la condición política y social de un país. Lo mismo fue hecho por Ezequiel (Ez. 4), en que el profeta hace una representación de la ciudad con barro, y por cerca de catorce meses realiza una serie de representaciones a modo de lo que hoy llamamos "Performance", lo hacía en público y para dar un mensaje sobre el futuro de la nación.
Sea en la historia del arte o en la Biblia, la representación busca llevar al espectador una nueva mirada de algo que el artista/profeta ya miró, proceso en su interior, y lo entrega con los énfasis correspondientes al espíritu que lo inspiró.
Cuando en la ley se señala "no harás imagen", tiene que ver con la elaboración de imágenes con fines idolátricos, no con la elaboración de representaciones de otros tipos, ya que la Biblia está llena de representaciones, comenzando por el tabernáculo. De hecho en el original, no se emplea la palabra "imagen", sino que se usa la palabra "ídolo". Esto debería ser suficiente, para quitar una postura iconoclasta, que nos ha llevado a mirar el arte desde lejos, o de manera indirecta, anulando la posibilidad de hacer declaraciones visuales y proféticas desde el espíritu, hacia los hogares, ciudades, naciones, etc.
Las representaciones son importantes, porque tienen el poder de manifestar en lo natural, lo que ya está en el espíritu, dando testimonio de esto, y de esta forma hacerlo conocido por el espectador, llevando a este a entrar en una entendimiento por medio de la intimidad con una verdad eterna o para un momento específico. De esta forma, la obra se convierte en puente entre el espectador y el mundo espiritual y eterno.

"La Nube", Yona Friedman / Israel Torres. Esta obra fue expuesta en la XI bienal de artes mediales, 2013 en el MNBA. En esta obra decidí todos los aspectos de montaje y composición, siendo de origen conceptual de Friedman (FRA)  por lo cual contaría como una co-autoría. "La Nube" dialogaba con un mapa de Santiago que estaba justo bajo la obra, y con los puntos cardinales marcados en la sala. La obra fue montada en la sala Chile del Museo Nacional de Bellas Artes. Para mi es una representación profética de una nube espiritual sobre la ciudad y sobre la nación, así como la nube que vio venir el criado del profeta Elías, que traería un cambio de tiempos sobre la nación.